彩墨画的特点有哪些主要艺术特色

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彩墨画的特点有哪些主要艺术特色

　　彩墨画是在中国画里，以“水墨画”为基底，在其上敷色、点彩，使画面较之水墨画在色彩上较为丰富、明快、鲜亮。下面是小编给大家整理的彩墨画的特点简介，希望能帮到大家!

彩墨画的特点有哪些主要艺术特色

　　 彩墨画的特点

　　一、以色彩为主导，与笔墨相融合的图式，在彩墨无序的冲撞中，构成风光无限的宏大景观。

　　二、关注色彩的语言特性，并极力发掘色彩美的表现性、表现力，冲破了逸品和文人画理论的束缚，使人在红绿、黄紫、青橙和墨色的和谐色调里，感受到大自然永恒之中的流变。

　　三、强调绘画的多样性，不一味遵从书写性，也摆脱了勾勒、渲染的传统范式，色块与墨块的交响、线条与色彩的融合、积墨与积色的强化，成为作品中生命的律动与情感的勃发。

　　 彩墨画的发展与时代性

　　中国画受到西方绘画的影响 ,逐步形成“彩墨画”这种新的画种。众多从西方学习回国的画家极力推崇将西方绘画的精髓融入到传统的中国画表现当中 ,力图对中国传统绘画进行改革 ,彩墨画就是在这么一个环境下发展起来的。画家们将彩墨画从纯粹的绘画艺术上升到表达当代人复杂、多样的思想情感 ,打破了传统的绘画格局 ,对当代的社会现象有一定的认识和反映作用。

　　中国画历史久远 ,在其发展过程中逐渐分化出水墨画和彩墨画两种新的画种。而彩墨画可以说是 2 0世纪中国画受到西方绘画艺术影响较深的一种成果。它以“水墨画”为基底 ,在其上敷色、点彩 ,使画面较之水墨画在色彩上更为丰富、明快、鲜艳。自明清以来 ,西洋画逐渐传入中国。

　　 彩墨画的代表画家

　　吴冠中

　　吴冠中是中国当代艺术大家,其作品特色鲜明,融合中西艺术元素,对当代艺术有很大的启示,本文主要通过吴冠中作品的师承、形式、意境、色彩、中西融合、创新精神来阐释其作品的艺术特色。他的老师是林风眠，他也沿袭了他老师的特点，笔墨的提炼。

　　吴冠中：生于1919年,是江苏宜兴人,中国当代著名画家、美术教育家、散文家。他先后就学于国立杭州艺术专科学校、法国巴黎美院苏弗尔皮教授工作室,之后,吴冠中在中央美术学院、清华大学建筑系、北京艺术学院、中央工艺美术学院任教。

　　石齐

　　石齐：一九三九年生。福建人。擅长中国画，人物、花鸟、山水、书法、油画皆精。曾获世界和平奖(联合国教科文组织发布)。1963年毕业于厦门工艺美术学院。北京画院专业画家，北京画院艺委会副主任，中国美术家协会会员，北京美协理事，北京市高级职称(美术)评委，国家一级画家 (教授).

　　石齐的绘画创作已走过了近40年历程。在此过程中，其风格的不断转型、变化与突破，似乎正呼应着数十年来中国社会与文化的时代大变革。作品中题材丰富而广阔的表现、不择手段的艺术语言探索和不拘一格的风貌与形态，使其成为了当今中国画坛备受瞩目、卓有成就的艺术家。如果说吴冠中是破坏传统笔墨程式而创立新风的革新者，那么石齐就是整合传统笔墨并能融会与吸收外来文化的传统创新型画家。

　　石齐先生艺术作品唯美性与创新性在新领域的成功拓展，是对“三象合一”个人风格的再度完美体现，是对中西文化的深层理解与朴厚情感的再次凝聚，我们将深深感受到这位探索与创新的艺术家其用情之深、用意之远。他在写意水墨和工笔之外，探索出一种写意性极强的动感色彩语言，因而作品极具市场的号召力。此外，石齐现在正处于创作高峰期，探索、变革和创作都还在继续。

　　林凤眠

　　彩墨画派，中国画现代画派之一，由上海画家林凤眠首创。

　　林风眠(1900--1991)，原名林凤鸣，画家、艺术教育家、国立艺术学院(现更名为中国美术学院)首任院长。林风眠生于广东梅州市梅县区，自幼喜爱绘画。历任国立北平艺术专科学校校长、国立艺术学院院长、中国美术家协会上海分会副主席。代表作品有《春晴》、《江畔》、《仕女》

　　林风眠认为中国艺术必须改革,必须从西方借取一些东西,来改变中国的艺术,改变人们对艺术的看法,改变中国人的民心。这是他们那代人的伟大之处。要引进西方优秀的东西改变中国,但他不认为应简单引进西方写实主义,而应引进西方现代主义的精神,西方自由创作的主张,这些在很多岁月中都受到误解,被视为洪水猛兽。1949年后, 因被视为新派画不合艺术审美，不受到重视, 他凄然被解职而无奈离开学校。所以今天重新讨论林风眠的时候尤其要关注林风眠这一系列的主张,真正重新去理解他的思想的内核对民族艺术振兴有新的一种认识。

　　彩墨这个概念

　　但这也仅仅是近几十年的事。在古代，代表画体或语言样式意义的“水墨”、“笔墨”、“丹青”等词语在画史、画论中俯拾即是，却并不见“彩墨”这个词。与之相近的“墨彩”这个词经常出现在画史画论中，但意义与“彩墨”的意义相去甚远。“墨彩”是用“彩”来修饰“墨”，指的是“墨之神彩、风韵”，主要是表述墨色的效果。而“彩墨”是一个并列结构的词，指的是“彩”与“墨”，表述的是中国画彩、墨并举，墨、彩交融的语言样式。

　　彩与墨的历史嬗变

　　在晋唐时期，绘画是以色彩为主的，那时称绘画为“丹青”，就反映了这样的绘画史实。顾恺之、展子虔、大小李将军等的作品中，把色彩当作绘画语言的主体，它通过精勾细染而倾情投入到色彩的天地中，打造了中国古典色彩的辉煌时期。这时的人们不知墨趣为何物，因此，唐以前的中国绘画是由发达的色彩与欠发达的水墨构成的。在这样的格局中，追求色、墨并举，墨、彩交融是不可能的。

　　五代以后，历史进入“墨彩”时代。正如荆浩《笔法记中所说：“夫随类赋彩，自古有能，如水晕墨章，兴吾唐代。”他评价李思训“虽巧而华，大亏墨彩”，这表明了当时画史画论的一种共同态度：推崇水墨、贬低色彩。这种态度，最终推动了色彩向水墨的转移。在后来的发展中，占据中国画语言中心地位的水墨与处于边缘地位的色彩共同构成了中国画坛并不平等的彩墨格局。“墨彩”取代了“丹青”拥有了主流话语权，色彩绘画开始退居到民间绘画和非文人画家的创作中。色彩在文人画中，成为可有可无的附丽：“墨晕既足，设色亦可，不设色亦可”。在这种格局中，追求色墨并举，墨彩交融同样是不可能的。

　　因此，融会墨彩，就不仅仅是形式创造的问题，而是显现出了绘画史的意义。这种融会所结晶的样式就是“彩墨”画。

　　“彩墨画”一词在上世纪三四十年代曾被指称一种融合中西而区别于传统中国画的作品。五十年代中叶，徐悲鸿的彩墨画形式作为改造传统中国画的成功范例，被正式纳入美术学院的专科教学体系中。但这种“彩墨”画基本上是写生+素描+色彩，在中国画材料、形式与西洋画的技巧之间作了一种并不十分高明的结合，而其设色方式基本上还属于“随类赋彩的范畴”。但在当时却是十分新鲜的事情，影响也十分巨大。而“彩墨”这个称谓却没能延用下来。直到八十年代末，随着中国画语言探索空间的扩大，“彩墨”又被赋予新的内涵，相对于三四十年代的彩墨画，它更强调与古代中国画的传承脉络。我的“彩墨”画正是在这样的思想影响下，试图对中国画传统的“彩”与“墨”的表现进行一种尝试性的转换。

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